El interés de esta tesis es basado en mi proceso artístico que se realiza en la especialidad de escultura.Básicamente mi proceso de obra, lo hago a través de una materialidad, el plástico.
Exponiendo las capacidades en su uso, durabilidad, versatilidad, resistencia y capacidad de moldeo, observando el plástico como un material que forma parte de nuestra sociedad, es cotidiano es moderno y el uso del plástico en el arte es solo una mirada más de todo lo que se puede lograr con este material.
El plástico, es un material que tiene como mayor carácter la ductibilidad, es fácil de manipular ya que su característica química permite que se puedan obtener diferentes calidades de plástico por lo tanto indagar en este material es fácil, con una gran variedad de colores y espesores.Estas características propias del plástico, provocan en mi cierta inquietud, acerca de lo que se puede lograr de manera artística con el, es por esto que he utilizado diversas formas de tratar de exponer este material para que se logre ver propiamente tal, y no solo como un objeto de consumo, que es su mayor característica.En mi proceso investigativo botellas desechables de bebida sufrieron diversos cambios que han sido a través de la devastación de los objetos, a partir de destruirlo, quemarlo, someterlo a varios golpes con distintos objetos con el fin que se destruyera en pedazos, anular el objeto y que saliera a la vista el material plástico en si mismo.Toda esta experimentación fue teniendo distintas lecturas desde mi interés, y de lo que iba resultando en el momento, Las botellas se iban adecuando al discurso la perdida de la SerialidadCambio de la condición física, química y formal.La silicona, forma parte del proceso en el cual recojo el excedente de la pistola para fotografiarlo y realizar imágenes macro de esta ruina.Es ahí donde comienza mi proceso de tesis luego de utilizar la silicona imitando a la micrografía, que es la fotografía de microscopios, me llama la atención ese carácter orgánico como si fuera algo sacado de la naturaleza y es esa la razón fundamental de esta obra.Volver a su estado primigenio al plásticoEl término plástico (Invento de Leo Hendrik Baekeland que primer plástico llamado baquelita en 1909), en su significación más general, se aplica a las sustancias de distintas estructuras y naturalezas que carecen de un punto fijo de ebullición y poseen durante un intervalo de temperaturas propiedades de elasticidad y flexibilidad que permiten moldearlas y adaptarlas a diferentes formas y aplicaciones. Sin embargo, en sentido restringido, denota ciertos tipos de materiales sintéticos obtenidos mediante fenómenos de polimerización
El diagrama muestra el proceso de transformación desde el principal componente del polímero que es el Petróleo y luego el proceso químico para convertirse en plástico, es ahí donde intervengo y propongo un gesto artístico que es el de retornar al plástico a su estado primigenio.A continuación el proceso de polimerización en conjunto a artistas latinoamericanos, que buscan la reflexión del espectador frente a las materialidades que conforman el plástico, donde Franco Momo pinta con Petróleo, Rosa Dentone, esculpe el polímero, Ricardo Vargas, utiliza botellas de agua.Todos están presentes en la composición del plástico y lo usan para construir obra. Aunque el interés por el material no sea el mismo, encuentro cierta conexión, con lo que podría llegar a ser mi obra, ya que todos consideramos relevante el uso de materialidades que son tan masivos en nuestra cotidianeidad.Proceso de conformación de 25 litros de látex en 90 metros cúbicos
PETROLEO
El petróleo procede de la descomposición de las sustancias orgánicas por microbios anaeróbicos por lo que se le denomina combustible fósil. Se encuentra nativo en el interior de la tierra y a veces forma grandes manantiales.Es de textura liquida oleosa, su color varia entre amarillo y pardo llegando al negro con reflejos verdes y brillos fluorescentes, este elemento, al someterlo en las refinerías a altas temperaturas se pueden obtener productos como gasolina, aceites, petróleo crudo, queroseno y otros derivados como el plástico, pisos, gases, pinturas, telas, asfalto, pegamentos medicamentos y dulces.Con la condición del mismo material, en este caso el petróleo, hay artistas que lo ocupan para producir obras en búsqueda de imágenes relacionadas con sus ancestros, en el caso de Franco Momo otorgando mayor potencia para el uso del material y la imagen.
es un artista plástico y músico argentino que expone desde 1994 en su país, en Estados Unidos, América Latina y Europa. Sus obras pictóricas y esculturas están realizadas con petróleo crudo. Investiga las culturas precolombinas, genera en su producción pictórica una constante simbiosis entre los signos primitivos y la preponderancia del color dentro de un contexto expresivo. Su acentuada pasión por lo natural, le conduce a encontrar los símbolos de la propia reminiscencia americana en la historia de sus pueblos. No cierra los ojos al pasado, porque es consciente de que el futuro depende de esta fidelidad. Emplea óleo, petróleo crudo, tierras y pigmentos de color, buscando la persistencia de la memoria histórica ancestral en sus procedimientos pictóricos. Su expresionismo contemporáneo bebe de las fuentes de lo precolombino, para interconectarse con la fortaleza de la proyección de la reconducción neo-expresiva postcontemporánea.
Polimerización
Es un proceso químico por el que los reactivo, monómeros (compuestos de bajo peso molecular) se agrupan químicamente entre sí dando lugar a una molécula de gran peso, llamada polímero, una cadena lineal o una macromolécula tridimensional.
ROSA DENTONE
A partir de 1989, aplicando técnicas propias, inició la Serie de cuadros “Imágenes y Formas del Color”, obteniendo sobre relieves al fundir y trabajar con espátula compuestos polímeros sobre aglomerados de madera, terminados con tintas, óleos, acrílicos, barnices, etc.Con el uso del polímero en proceso de transformación, esta artista Argentina desarrolla una parte de su obra con material polímero, realizando pequeñas esculturas con un gesto expresivo y con gran movimiento, caracterizando al polímero en su proceso de transformación al plástico; este proceso que no presenciamos solo vemos el resultado final en un objeto plástico, pero estas escultura hablan de un proceso interrumpido, reaccionando a elementos químicos congelados por una artista como si hubiesen sido extraídos de la fábrica de polímero y expuesto en la galería.Sus esculturas comenzaron en 1989 con materiales tradicionales como la cerámica, un año después, los compuestos polímeros dieron origen a una nueva etapa en esta disciplina.
PET (polietileno tereftalato)
Es un polímero plástico que se obtiene mediante un proceso de polimerización.Es un polímero lineal, con un alto grado de cristalinidad y termoplástico en su comportamiento, lo cual lo hace apto para ser transformado mediante procesos de extrusión, inyección, inyección-soplado y termo formado,Este tratamiento ceba una reacción de polimerización que hace aumentar el peso molecular de la resina para la fabricación de la botella. El aumento de la viscosidad intrínseca es directamente proporcional al aumento del peso molecular.El Pet es el elemento con el que se fabrican botellas y todos los objeto plásticos que están rotulados por un numero que es la composición química que contiene cada tipo de plástico; por lo general en la base de cualquier objeto que sea fabricado de Pet se puede encontrar este rotulo.
Ricardo Alipio Vargas Mantilla
Desde los orígenes todo viene del agua11.00mtsxxx11.00mtsx1.10mts agua empacada en bolsa de polietileno
Artista colombiano que envuelve esta cantidad de botellas de agua y la expone en la calle, luego reparte estas botellas a la gente que circula en el entorno de la obra, Ricardo Vargas es un artista de la tierra, toda su obra es construida a partir de elementos naturales, ya sea agua como en el ejemplo anterior hasta la tierra misma, el trabaja en una organización de artistas que se denominan artistas de la tierra y que buscan a través del arte exponer los problemas de la contaminación en el medio ambiente.En este contexto, de otorgar un valor artístico a la materialidad en los años 60 y 70 hubo varios grupos de artistas que utilizaron este concepto para desarrollar su obra dentro de ellos y que se relaciona en cierta parte con mi interés, son los “povera”, grupo de artistas italianos que en la década de los 60 utiliza la recolección de objetos para contextualizarlo en el arte, haciendo cierta relación con lo que realizaban los dadaísta a comienzos de siglo XX.“No se debe eliminar la temporalidad, sino subrayarla;revalorizarla, por una parte, materiales pobres, carentes de preciosismo comercial, pero por otra, poner en evidencia nuevas constantes estético perceptivas: ya no se trata solo de forma, color, composición formal, sino también composición química, valor otorgado al peso, al desequilibrio, a la gravedad, a la transformación de la materia.La obra “povera” es pensamiento plástico, o plasticidad pensante, es momento dialéctico, encuentro (2).Varios artistas Povera, trabajan el tiempo y el espacio en sus obras, la dimensión de esto, es como los materiales usados se adaptan al lugar donde son expuestos y cuanto tiempo se mantienen ahí, practican diversas variantes del material, la obra nunca es la misma, y se apoyan del registro fotográfico fechando un registro continuo (por ejemplo del 1968-1984) es un “presente continuo” donde siempre es el mismo material en diversas variantes según el lugar donde sea expuesto.
“La noción de anti-forma que propone Robert Morris en 1968 también pone el acento sobre el proceso de fabricación de las obras, Para Morris, anti-forma no tiene que ver especialmente con una poética del desecho que celebre la ceremonia de la confusión y el desorden, si no que haga alusión a una serie de operaciones que den cuenta de la fuerza de la gravedad en el trabajo de las formas esparcidas: “apilamiento aleatorio, amontonamiento desordenado, suspensión” (Robert Morris, Anti- form en Artforum, abril 1968), como ocurre en sus fieltros cortados en tiras en el suelo, cuyo proceder es cercano al de Pollock. Pero en el suelo todavía hay forma, una imagen ordenada. Es en el momento de colgar los fieltros en la pared cuando la fuerza dispersadora de la gravedad interviene, originando aperturas de fuerte irregularidad: la trama se borra y en su lugar aparecen las brechas, índice del vector horizontal en tanto fuerza constantemente activa en el interior del campo verticalAquí puesta en juego para invalidar la formación de la forma.” (3)El registro fotográfico es lo que importa en esta obra ya que cada vez que los presenta en un lugar distinto la obra cambia de acuerdo al espacio, pero sin privilegiar una de otra.El arte objetual se basa en la provocación cualquier gesto, cualquier objeto, por inútil que parezca puede ser utilizado para crear. Esta clase de arte u otro más tecnológico o urbano tiende a concienciar al espectador de la situación estética, social o ambiental de las cosas y provocar reflexiones y posiciones críticas ante ellas.El “Objet Trouve” no tiene orden establecido es el azar el que hace que varios objetos se relacionen, esta obra aparece por casualidad.El sentido de esta obra es re- significar la materialidad plástica, desde su condición como materia y que al manipularla y exponerla en un espacio que está dentro del contexto del arte, se transforma en obra, ya que para que una materia tenga sentido artístico tiene que ser respaldado por el discurso del artista que lo expone en esta condición, por lo tanto, el interés de esta materia plástica, es explicada en este texto que lo justifica como un posible material para realizar obras de arte, es el cierre de un proceso de experimentación con esta materialidad donde el sentido finalmente, lo determina el espectador, a través de sus sensaciones
1-. Travestir el material
Travestir el material es la operación que realizo con el plástico, transformarlo en una apariencia viviente, restituirlo estéticamente a lo que alguna vez fue, un elemento natural, retornarlo a partir de la práctica artística sin mediaciones químicas, solo relaciones visuales con el material y el espacio que darán cuenta de esta restitución, ya que alude a la noción de un elemento orgánico.Desde mi práctica artística basada en la escultura y la fotografía, he desarrollado ciertos trabajos que tienen esta noción activa de los organismos vivos, con la tendencia de asemejarse a sujetos, insinuando características propias humanas, estas asociaciones visuales fueron adquiridas a partir de la destrucción de objetos, devastando botellas plásticas, estas alentadas por el fuego, promovido por un soplete y controlando el nivel de derretimiento, destruyendo la serialidad de estos objetos y otorgarle un carácter orgánico único e irrepetible, hacer desaparecer algo para confundirlo con su fondo; cuando se borran las diferencias y se confunden los contornos desaparece el objeto y aparecen las formas orgánicas, estos objetos sintéticos, funcionales adquirieron carácter una de otra, este azar provoco la individualidad visual.El proceso de deformar botellas, y por otro lado utilizar el excedente de silicona, son los que promueven esta tesis de travestir el material, porque estas botellas fueron transformadas pero de manera forzada. Esta al obra es promovida por la goma látex en la cual restitución es provocada por la disposición en el espacio ya que la cantidad de látex está determinada por las dimensiones del lugar, en el cual el montaje está condicionado por estas medidas, ya que cada uno depende del otro, esta disposición de látex tiene la motivación de explorar en las sensaciones, busca despertar los sentidos, con el fin de transmitir la noción, de que esta materialidad tiene un historial químico, pero que en algún momento estuvo vivo, y el gesto artístico es el de explorar en la restitución a lo orgánico de la materia.Un ejemplo cercano e s el que realizan los Land Art,
Walter de María con "Vertical Earth Kilometer" (1977). 
GLUE POUR SMITHSON
¨ un barril de pegamento es derramado en la loma de tierra y gravilla, a medida que el pegamento bajaba por la loma escurriendo por sus contornos, la tierra antes perdida se mezcla con la nueva materia .El interes de smithson acerca de las fuerzas trasformativas de los ambientes naturales continua con esta obra. 
Robert Smithson 
Eugenio Dittborn, 350 litros de aceite de auto quemado en el desierto de atacama
Modificar este trabajo es basado en la sensación, una vara de acero enterrada un kilómetro, en la que Walter de María nos invita a vivir la experiencia de sentir el espacio en todas sus dimensiones, ya sea con los objetos que los habitan y con los espacios vacíos; lograr sentir un kilómetro bajo tierra no es común, si no es cuando un artista nos expone a experimentar este tipo de sensaciones.Restituir visualmente el plástico, volver a su origen primigenio, pero a partir de su propio carácter nunca deja de ser plástico si no, que alude a la capacidad de las cosas de adaptarse a los espacios comunes, cualquier espacio puede ser habilitado para realizar esta obra porque de él depende como el plástico se adapte.Travestir el material es una búsqueda de otorgar un grado de organicidad a un material que carece de ella pero que en su momento uno de los componentes que lo forman, si perteneció a alguna parte de la naturaleza, el plástico proviene del Petróleo y el látex de un árbol.El látex se emplea en la producción de goma es el jugo propio de muchos vegetales, de él se obtienen sustancias diversas como el caucho, la gutapercha y la espuma de látex (para colchones, asientos, acolchados, etc.)Es la materia prima que forma esta obra, hay muchas maneras de manipularlo, como revisamos anteriormente es utilizado para crear diversos objetos, principalmente objetos flexibles, característica que involucra a la obra, la elección de un látex especifico es también por el color, este látex es naranjo, este color lo adquiere por el activador que es el que hace que seque y se transforme en maleable, ciertas nocionesdel naranjo son que produce intranquilidad, agitación provoca un cierto rechazo al enfrentarse a una gran cantidad, potencia la creatividad y esta inquietud puede provocar en el espectador cierta distancia con la obra. La restitución tiene como fin único retornar visualmente ciertas características orgánicas que le permitan al espectador relacionar los objetos que manipulamos con algo que fue extraído de la naturaleza, es lograr ver un árbol en una puerta, no lo dimensionamos hasta que alguien nos advierte que si existe, en este caso esa advertencia es expuesta a través del gesto artístico. La disposición del plástico en el espacio, tiene relación con formas orgánicas ya que la intención de esta obra, es lograr a través de un gesto artístico restituir al látex a su estado primigenio, donde la organicidad en su carácter formal debe aludir al estado primigenio, a su antecedente de que unos de sus componentes formo parte del ambiente, fue un producto vivo, en el cual a través del gesto artístico se traslada a la galería y adquiere protagonismo, porque es este espacio el que hace que el látex se convierta en un material para hacer obra, porque si no hay intención de parte del artista el látex nunca se va a convertir en una materialidad artística, es por esto que el arte y el espacio determina el acontecimiento, en el cual las medidas del espacio elegido para montar la obra tiene una cantidad determinada de metros que son los que fija la cantidad de látex que se utilizara en la obra, ya que es estrecha relación los metros cúbicos del espacio con los metros cúbicos del látex.Esta obra tiene como fundamento las relaciones del tiempo y el espacio, en el cual los que activan estos conceptos, son el espacio y el látex, que participa por la temporalidad, ya que, al esparcir el látex, que es liquido en su inicio, tiene un tiempo de secado, en el cual cuando llega a esta condición cambia de estado liquido a goma, donde ya no se mide en centímetros cúbicos (CC.), sino en metros (mm.),por lo tanto al expandir un litro de látex en un espacio es necesario convertir esta medida en metros.El látex es un material flexible que permite ser moldeado y seriado tanto de forma industrial como artesanal, este material es de fácil acceso, donde la manera de manipularlo no requiere de estudios previos, si no facilidad de maniobrar con un material que se abre a inmensas posibilidades de hacer por ejemplo diversos moldes flexibles. En las cuales podría profundizar, pero la intención es exponer las virtudes de los materiales plásticos y de su papel en nuestra actualidad, que son el principal motivo de mi interés para situarlos en el arte.
latex2-. Fuerza y virtud plástica.
El material plástico, forma parte importante de nuestra cotidianeidad, como lo son los medios cada vez más rápidos de comunicación y de transporte. El plástico parece cumplir el sueño del polimorfismo creador, de la capacidad ilimitada del hombre para modelar la realidad. Ya que es el invento con más proyección y expansión dentro del siglo XX si no fuera por este material no existirían muchos elementos que son indispensables para nosotros, por lo tanto, el uso del material es coherente al estilo de vida que llevamos, no se puede pasar por alto este material debido a su masividad y a pura condición. "La plasticidad humana", como fundamento para una sociedad moderna, no atada a las tradiciones, que presenta al ser humano ilimitadamente plástico como el mayor logro de la humanidad del mismo modo, el desarrollo tecnológico ha imbuido a la cultura estarían dispuestos a conceder, esta flexibilidad a las cosas desechables sin apego a los objetos.La producción y el consumo de material plástico de modo indiscriminado pueden estar causando más problemas que soluciones.El uso del plástico es uno de los más usados en la actualidad por lo tanto los problemas de saturación de este material en vertederos no está generando soluciones orgánicas por lo contrario es un material que por lo menos necesita de 200 años para desaparecer, lo cual, en esa cantidad de años el exceso de plástico en los vertederos va a ser descomunal debido a la cantidad de elementos plásticos que usamos actualmente; es por esto que el uso de este material en el arte es para que tenga un nuevo uso, para que vuelva a ser útil, que es prácticamente su única función, con este material se crean objetos que nos facilitan la vida que por lo general son contenedores de algo que consumimos y se pierde la noción de el material que está compuesto ese envase.
El plástico es una de las pocas ramas Industriales en donde el sector privado ha sido mayoritario ya que el estado no participa en la fabricación de polímeros, a causa que los objetos que son construidos a partir del plástico tienen un uso puramente comercial.
El plástico es el icono de nuestra época todos los cuestionamientos en el arte que parten del objeto son basados en elementos que están relacionados con este material, como lo que hacen los nuevos realistas que aunque nunca pensaron en la composición matérica de sus objetos de obra, por consecuencia, la mayoría eran de plástico, no lo cuestionaban por que no se veía como algo negativo, es decir, se exponía el objeto en si mas que su materia prima.Ya que el plástico es tan latente en nuestro inconsciente considero imprescindible el uso de objetos plástico o materialidades, que provengan del plástico para re- nombrarlo como una nueva imagen, que se abstenga de toda funcionalidad y que sea participe de los procesos artísticos, sin considerar elementos ecológicos, no es necesario, ya que este material tiene suficientes meritos para relucir.El pretexto para usar materialidades plásticas, en mi proceso de obra, es desde una relación puramente estética, es la múltiple capacidad que tiene el plástico para convertirse en cualquier objeto, no tiene limite su árbol genealógico nace del petróleo pero a lo que se puede convertir tiene infinitas posibilidades, por lo tanto utilizarlo en el arte no es mas que una posibilidad de la mutación que se produce en el plástico, restituir el material es generar una posibilidad mas; ya que no tiene limite, hacer un ejercicio visual acerca de su origen primigenio, es escribir una nota mas en la vida del material, en el cual en esta obra, la disposición del material dentro de la galería es establecido por las dimensiones del espacio, depende absolutamente cuales son las medidas de la sala para poder saber de que manera el látex se apropia del lugar, por lo tanto la especialidad y la temporalidad son conceptos que acompañan en el proceso de obra.
3-. Impresión espacio temporal
para lograr percibir un espacio de manera conceptual y perceptual, se pueden hacer referencias a momentos en la historia del arte en los cuales las dimensiones temporales y espaciales eran el principal interés en los artistas, en un caso los artistas land, son unos de los primeros en realizar obras ambientales, en la cual se apropian de la naturaleza para constituir sus experiencias, ellos intervienen los espacios, la obra se vive, se siente, se constituye en el environment, el acontecimiento es registrado mediante, videos y fotografías que luego son expuestas en las galerías, en las cuales algunos artistas juegan con la ficción ya que la información expuesta en la galería no es completamente fidedigna y juegan con los espectadores, por que, para poder saber realmente cual es la obra hay que ir al lugar vivirla y los artistas no estaban muy interesados en los espectadores in situ, sino de engañar con mapas falsos a su publico, y les entregan solo un trozo de lo que aconteció, es ahí donde el publico manipula el ambiente a través de estos retazos de obra, que eran formas, olores, texturas. El aumento de los estímulos tuvo que ver también con otros campos sensoriales: auditivo, olfativo, gustativo.Experiencia artística y experiencia lúdica parecían sinónimasEn el Land Art el espacio artístico no está frente a mí sino que yo estoy dentro de él; existe una relación figura-fondo, donde conviven el espacio y el artista en la cualNo habría sido posible sin una alteración del espacio.Al alterarlo el artista se adueña de el y hay una convivencia del lugar con su obra, por lo general en las obras Land, son los mismos autores de las obras los que realizan las experiencias, siempre con un equipo de trabajo que es el que ayuda y registra el instante, que puede llegar a durar la obra, por que algunas son tan efímeras como trozos de hielo tallado, que se van por un río que la temporalidad de ese tipo de obras son fundamentales para que exista; retomando el ejemplo anterior, si el hielo tallado fuera una piedra, que también es arrojada al río, el resultado en tiempo de durabilidad no es el mismo, por que el hielo se va derritiendo mientras realiza un recorrido que fluye, en cambio la piedra el tiempo es distinto, ya que se va al fondo, pero el tallado durara muchísimo mas tiempo que un hielo.Lo que quiero decir que es importante el sentido del uso de los materiales en una obra de arte por que de esa manera se percibe conceptual mente el tiempo y el espacio, y de forma sensorial el tiempo es prácticamente imperceptible, nunca logramos sentir el tiempo si no que fragmentos de este, habría que dedicarse exclusivamente a sentir y a recordar el tiempo como “Funes el memorioso” de Jorge Luis Borges.“Había aprendido sin esfuerzo el inglés, el francés, el portugués, el latín. Sospecho, sin embargo, que no era muy capaz de pensar. Pensar es olvidar diferencias, es generalizar, abstraer. En el abarrotado mundo de Funes no había sino detalles, casi inmediatos. La recelosa claridad de la madrugada entró por el patio de tierra. Entonces vi. La cara de la voz que toda la noche había hablado. Ireneo tenía diecinueve años; había nacido en 1868; me pareció monumental como el bronce, más antiguo que Egipto, anterior a las profecías y a las pirámides. Pensé que cada una de mis palabras (que cada uno de mis gestos) perduraría en su implacable memoria; me entorpeció el temor de multiplicar ademanes inútiles”.Funes demoraría un día completo en recordar un día pero no lo hacia por que perdió tiempo recordando el tiempo, suena absurdo pero realmente el tiempo es imperceptible, es por esto que el registro fotográfico es el tiempo detenido, es lo contrario de la impercepción del tiempo, sino, queda la imagen de un momento y se anula todo el acontecimiento temporal que se vivió en ese instante cuando se hizo la fotografía.El tiempo y el espacio conviven, ya que no puede haber uno sin el otro, la temporalidad de las cosas son perceptibles por que la perdida natural de las cosas requiere de un largo tiempo, esta percepción temporal, es el gesto artístico ejercido sobre el látex, el cual requiere, de diversos tiempos para convertirse en un material moldeable, el látex se extrae de un árbol y contiene elementos químicos que lo activan a convertirse en un plástico, de textura blanda y elástica, todo este proceso de extracción, y de secado del látex, es un tiempo que no esta cronometrado, por lo cual la instalación del plástico en el espacio que lo contiene es la percepción, del espacio en conjunto con el tiempo, y las dimensiones que puede llegar a abarcar una cantidad de 25 litros de látex en 90 metros cúbicos de la galería, estas percepciones sensoriales se despertaran al ver la obra, por que lo que transmite es un velo de organicidad en 20 litros de látex elasticado.El sentido de esta tesis es transmitir lo orgánico del material y la temporalidad, esta obra cambia según el espacio que la contenga, el cambio de la obra puede llegar a ser constante o puede ser permanente, por que es el tiempo y el espacio el que la contiene ambas cosas imperceptibles hasta el momento en que se enfrenta la obra es ahí donde logras experimentar estas sensaciones, principalmente la dimensión espacial ya que al leer el nombre de la obra determina a sentir cada centímetro del lugar que se esta pisando por que la tensión provocada por el látex, esta fundamentada bajo la medida estricta de la galería.
Conclusión
Al experimentar el ejercicio de disponer el paño de látex sobre diversos espacios ya sean dentro de una casa o en la vía publica, el látex se adapta a cualquier lugar donde sea dispuesto, se puede distinguir la dimensión de espacio en la cual se esta realizando la intervención, al observar detenidamente cada foto se puede llegar a pensar en la memoria de “funes el memorioso”, lograr percibir el tiempo y el espacio en cada una de las imágenes, esta experiencia se puede realizar por mucho tiempo, por que nunca nada va a ser igual a otro lugar o a otro día, tal como en el primer capitulo la obra de Robert Morris, la cual dura veinte años, utiliza el mismo material pero es el espacio el que hace a la obra la disposición del fieltro en la galería nunca es igual a alguna muestra anterior, siempre es estrecho el vinculo del artista con su material y como lo dispone en la galería, la experiencia in situ con el látex, no la vive nadie mas que el artista, el espectador solo ve un fragmento del tiempo, mediante fotografía y donde la tensión del espacio puede ser tan real como ficticio.
El montaje de la obra consta de 91 marcos de plástico, color negro y blanco tamaño 10 x 15cm.
Son 91 fotografías en orden aleatorio que van dispuestas sobre muros enfrentados creando un sentido orgánico el cual sube desde el suelo y avanza sobre la pared, como si los marcos de las fotos estuvieran en constante movimiento. Se genera una línea imaginaria entre un muro y otro, que esta señalada por un par de fotografías sobre el suelo, que indica que obra continúa en la muralla de enfrente, este orden de las fotografías no es cronológico si no, que comienza desde el color naranjo que tiene el látex y que genera un total, a la ves cada fotografía es distinta de la otra, se puede apreciar de cerca observando cada fotografía individualmente o verlo como un todo.
El fin de esta obra es mostrar algo que esta suspendido en el tiempo y que esta relacionado con lugares reconocibles, pero que están exponiendo su característica orgánica, como es dar vida a objetos y espacios que desaparecen en la cotidianidad, con esto recobran vida, con una piel de látex que nos hace recordar todo lo que tocamos proviene de algo que alguna ves tuvo vida.
Nadie puede cronometrar el tiempo dedicado en la obra, es por esto que cada fotografía va acompañada de la medida cúbica del espacio que habitó el látex y la fecha en que fue tomada la fotografía.
3.5 litros de látex en 49.104 mts3, 4 noviembre2007
BIBILIOGRAFIA
Franco Momo
www.artelista.com/autor/7763664967436359-momo.html
www.pilotmotiv.com/momo.php
www.pilotmotiv.com/momo.php
www.interarteonline.com/franco_momo.htm
www.paseosimaginarios.com/momof/obras.htm
www.margencero.com/f_momo/fmomo_index.htm
www.artmajeur.com/francomomo www.artmajeur.com/francomomo>
www.laemociondepintar.com
http://ar.photos.yahoo.com/francomomo>
http://personales.ciudad.com.ar/francomomowww.artelibre.comhttp:/www.artelibre.com
http://personales.ciudad.com.ar/francomomowww.artelibre.comhttp:/www.artelibre.com
http://www.expon.net/
Rosa Dentone
www.feriadearte.com.ar/artes/curris/dentone/dentone_todo.html
Ricardo Alipio Vargas Mantilla
www.tenerifeconarte.org/index_archivos/vargasmantillaobra.html
Otros
(1)www.textoscientificos.com/polimeros/pet/produccion-pet
(2, 3) Arte Povera, Aurora Fernández Polanco, editorial Nerea, 1999, Madrid España, Pág. 48
www.henciclopedia.org.uy/autores/Laguiadelmundo/Plastico.html
www.cepchile.cl/dms/archivo_1761_928/rev14_schultz.pdf
(4) Jorge luis Borges, Cuentos, Nazca editores Lima, Peru
obra
.
.jpg)
.jpg)
.jpg)
.jpg)
exposicion "HECHOS", 28 marzo 2008
alvaro herz "Cinocefalo"
Pepa Valenzuela "Obrera on-line"
Rocio Roman " A Traves De"
Carlos Silva "Errar es urbano"
Comentarios
NATURALEZA Y CULTURA (paradojas y contrasentidos)
Notas sobre los proyectos de Cecilia Araya.
La naturaleza siempre ha sido para el hombre una fuente de preguntas y, sobre todo, de incertidumbres. Ese mundo, por ende, en constante crecimiento y transformación se ha convertido progresivamente en aquello que difiere y desafía al pensamiento humano, articulándose, como su diferencia específica y radical. El hombre por ello no ha cesado de intentar dar una forma y un significado especifico a dicho conjunto de manifestaciones de lo vivo, tratando de capturarlas en representaciones o signos que le otorguen transparencia, legibilidad y estabilidad conceptual. Ejemplo de ello es la ciencia y su incesante movimiento de reduccionismo cognitivo o en un sentido más catastrófico la objetivación instrumental llevada a cabo por la técnica en su afán de ver dicha diferencia orgánica en función de proyectos y fines concretos. En la actualidad los discursos de tendencia ecologista han deseado recuperar esa, entre comillas naturaleza perdida, pero no han logrado nada más que rescatarla como un argumento para reactivar espacios de movilidad social desaparecidos tras el arribo de la posmodernidad. Desde este punto de vista ciencia, técnica, ecología etc. no son mas que los formatos a través de los cuales el hombre ha efectuado la edición biopolítica de esos territorios de vida que están en las bases de lo humano. Lo interesante de la propuesta estética de Cecilia Araya radica justamente en desarrollar un trabajo de investigación que indaga críticamente los agenciamientos semióticos a partir de los cuales, repito, el hombre ha confeccionado su realidad cultural al margen del universo orgánico que le rodea. En efecto la artista más que tematizar la naturaleza (perdida o retornada) cuestiona en sus instalaciones, esculturas y fotografías las ideas, conceptos e imágenes que nos hacemos de ella. Su problema, entonces, es la ficción y no la realidad, quiero decir, que en sus trabajos lo que aparece son las paradojas que soportan las diversas escenas culturales que estructuran el dialogo entre sujeto y medio ambiente. Este asunto se ve confirmado, cuando la artista alude que su táctica plástica es el travestismo, con ello cecilia araya declara que su interés recae en los signos, pero, en los signos cuando estos giran en función de contradicciones y contrasentidos. Lo recién aludido se puede constatar, de manera evidente, en una puesta en espacio donde la artista cita la obra más emblemática del land art, me refiero a Malecón Espiral del escultor americano Robert Smithson. Araya en esta obra reconstruye la espiral de Smithson pero lo hace con botellas plásticas que recoge de las dunas de concon, estos embases alterados por las condiciones climáticas a las que estuvieron expuestos, además, son coloreados según el pantom cromático utilizado en los condominios estándar que se edifican en las cercanías de la playa. Lo que hace la artista al evocar este fragmento mítico del romanticismo americano de los 70 es emplazar el signo cultural que lo representa y desde esta suerte de reminiscencia semiótica proponernos una lectura cruzada en la cual se conjugan políticamente desechos, ineficientes proyectos modernizadores e historia del arte. Por otra parte, cuestiones similares nos plantea en la serie de fotografías de residuos de silicona, en estas fotos lo puesto en imagen es un ficticio que emula los encuadres y las tomas realizadas por la ciencia en su deseo de objetivar la naturaleza. Estas imágenes son muy reveladoras, no solo, porque abran un espacio de simulación con alcances críticos, sino porque, al verlas podemos descubrir la pulsión panóptica que se encuentra escondida en los dispositivos de saber. En sus actuales trabajos Cecilia Araya se ha avocado a la exploración del plástico (goma látex), en tanto, materialidad susceptible de ser tratada estéticamente. Esta nueva búsqueda no podemos considerarla al interior de un horizonte meramente formal, sino contrariamente, debemos pensar estos tanteos territoriales - consistentes en varias intervenciones realizadas por la artista en paisajes, lugares urbanos, interiores y exteriores de casas con un paño fabricado con goma látex cuya superficie calza con el espacio expositivo - se enmarcan en una serie de operaciones que desean cuestionar ese borde imaginario que separa nuestra experiencia de lo orgánico respecto de lo inorgánico. Efectivamente lo puesto en crisis con estas interrupciones del espacio no es otra cosa que la organización cerrada de los cuerpos que habilitan con su presencia nuestros entornos cercanos y cotidianos. Este problema alcanza su espesor máximo cuando la artista al colocar esta piel, de modo casual, sobre objetos o lugares, logra que tales cuerpos desaparecidos perceptualmente aparezcan, mostrándonos su diferencia e in habitualidad cultural y política, así, ese mundo de cosas inertes cobra vida y a su vez certifica que lo vivo sigue siendo para nosotros una arista de aquello que se escapa y fuga de nuestro pensamiento. Para terminar la obra de Cecilia Araya no es una ecología del medio ambiente sino una ecosofía que apuesta por la sobre vivencia de nuestras dudas y contradicciones: tan necesarias y presentes en nuestra relación con lo real.
Mauricio Bravo Carreño. Artista Visual y Teórico independiente.
Docente de Universidad Arcis Valparaíso, Universidad Uniacc y Universidad Tecnológica de Chile.
PRENSA
